Federico Gama
Ciudad de México, 1963. Fotógrafo especialista en fotoperiodismo y fotografía documental desde 1988. Su trabajo ha sido ampliamente reconocido. Actualmente está nominado al Grange Prize 2009 por la Galería de Arte de Ontario, Canadá.En 2008 fue nominado al premio All Roads que otorga la Fundación National Geographic por el proyecto Mazahuacholoskatopunk donde documenta el impacto que produce en los jóvenes migrantes indígenas la cultura urbana de la Ciudad de México. En 2002 obtuvo el premio principal de la 10ª Bienal de Fotografía que organiza el Centro de la Imagen. Durante la itinerancia de esta exposición ganó el Premio del Público en las ciudades de México y Oaxaca. En 1999 fue distinguido con el Premio Nacional de Fotoperiodismo Cultural Fernando Benítez. Un año antes (1998) logró el primer lugar en la I Bienal Internacional de Fotografía de Puerto Rico. El jurado de la Fundación para un Nuevo Periodismo Iberoamericano (FNPI) con sede en Cartagena, Colombia le otorgó Mención Honorífica en la primera edición del Premio Nuevo Periodismo (2001). Fue becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA en 1997. Obtuvo el Segundo lugar en el Concurso de fotografía antropológica convocado por la Escuela Nacional de Antropología e Historia en1998. Ha tenido 20 exposiciones individuales y 35 colectivas en recintos culturales de México, Italia, Argentina, Guatemala, Brasil, Alemania, China, Estados Unidos y España. Ha sido jurado de diversos certámenes de fotografía e impartido conferencias y cursos en universidades y escuelas. Es coautor de los libros Jóvenes, cultura e identidades urbanas, editado por Porrúa y la UAM Iztapalapa (2002); y Cholos a la Neza, otra identidad de la migración, editado por el Instituto Mexicano de la Juventud (2008). Actualmente trabaja como fotógrafo freelance en las revistas Expansión, Chilango, Obras, Ambientes, In Style, Escala, Entrepreneur, Alto Nivel, Día Siete y Energía Hoy. Paralelamente realiza la serie documental Gente como nosotros para TV UNAM.
Ciudad de México, 1963. Fotógrafo especialista en fotoperiodismo y fotografía documental desde 1988. Su trabajo ha sido ampliamente reconocido. Actualmente está nominado al Grange Prize 2009 por la Galería de Arte de Ontario, Canadá.En 2008 fue nominado al premio All Roads que otorga la Fundación National Geographic por el proyecto Mazahuacholoskatopunk donde documenta el impacto que produce en los jóvenes migrantes indígenas la cultura urbana de la Ciudad de México. En 2002 obtuvo el premio principal de la 10ª Bienal de Fotografía que organiza el Centro de la Imagen. Durante la itinerancia de esta exposición ganó el Premio del Público en las ciudades de México y Oaxaca. En 1999 fue distinguido con el Premio Nacional de Fotoperiodismo Cultural Fernando Benítez. Un año antes (1998) logró el primer lugar en la I Bienal Internacional de Fotografía de Puerto Rico. El jurado de la Fundación para un Nuevo Periodismo Iberoamericano (FNPI) con sede en Cartagena, Colombia le otorgó Mención Honorífica en la primera edición del Premio Nuevo Periodismo (2001). Fue becario del programa Jóvenes Creadores del FONCA en 1997. Obtuvo el Segundo lugar en el Concurso de fotografía antropológica convocado por la Escuela Nacional de Antropología e Historia en
///
Leonardo Aranda mailto:leonardoaranda@hotmail.com / México 1981
"Tengo una relación ambigua con el arte, en gran parte, debido a la falta de sustancialidad en las prácticas artísticas. Estamos frente a un escenario donde, si es que existe el arte como tal, éste carece de cualquier discurso propio, así como de técnicas específicas que le permitan establecerse como disciplina. Así pues, si decido referirme a mi práctica como 'artística', es a falta de un mejor adjetivo para describir una serie de procesos que no parecen estar ligados, o por lo menos no de manera evidente, a ninguna disciplina en particular."
Artista electrónico egresado de la licenciatura en Artes Visuales por la Universidad Autónoma del Estado de México, Leonardo Aranda ha continuado su formación académica en el marco de la teoría. Desde 2009 estudia la Maestría en Filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México. Ha participado en diversos talleres y seminarios del Centro Multimedia, Centro de la Imagen y Laboratorio Arte Alameda sobre videoinstalación, electrónica y programación visual avanzada.
Su obra aborda las problemáticas de la violencia, las relaciones de poder y la vigilancia. A través del video, herramientas multimedia y el net art, reflexiona sobre la manera en que opera la experiencia del individuo inmersos en dichos espacios de representación. Desde esta perspectiva, cuestiona las travesías a las que son sometidos los imaginarios y la memoria de las personas cuando se constituyen desde una razón que se instrumenta de forma homóloga.
///
ALFREDO BORBOA OSORIO, México, 1986
www.alfredoborboa.com
Alfredo.borboa@gmail.com
"Me concentro en la producción de piezas capaces de generar experiencias y pensamientos. A través de las nuevas tecnologías, busco descifrar las relaciones humanas, la forma en que concebimos nuestro entorno y el lenguaje que desarrollamos para describirlo."
Estudió la licenciatura en Comunicación Visual en Centro de Diseño, Cine y Televisión. A lo largo de su formación, ha participado en diversos talleres como Mods, Bents & Hacks, con Mario de Vega; Taller de interacciones, con Rüdiger Schlömer; Taller de arte en medios, con Kentaro Taki y Taller de circuit bending con Juan José Rivas.
Entre los reconocimientos que ha recibido por su obra, destacan la Mención Honorífica en el festival Transitio Mx_03 (2009) dentro de la categoría de "Ingenios Latentes". De igual manera, cabe mencionar su participación en el concurso de diseño de cartel con el que quedó como finalista para el Festival Internacional de Cine Contemporáneo y derechos humanos (2008).
El trabajo de Alfredo Borboa se caracteriza por experimentar las cualidades de los medios electrónicos, análogos y digitales con la intención de generar experiencias muntisensoriales. Con el arte sonoro, la programación digital, el arte electrónico y el net art, el artista se concentra en manifestar la formas en cómo nos representamos nuestro entorno, lo concebimos y relacionamos con él. Sus piezas plantean un ejercicio de conocimiento que transita de lo inteligible a lo sensible.
Es loable mencionar las nociones que Borboa pone en crisis con la mayoría de sus piezas. Por una parte, cuestiona explícitamente la idea de autoría y, con ello, la figura del artista y del espectador. Su papel como creador primigenio queda posicionado en una jerarquía horizontal en donde el contexto y el público ejercen su condición intersubjetiva en el sentido de la interacción, reconfigurando así, la composición de la obra. Desde esta perspectiva, sus proyectos no se pueden entender como obras de facto sino hasta la intervención del espectador. Por otra parte, manifiesta la paradoja entre lo real y lo virtual a través de la creación de imágenes virtuales que suprimen la frontera entre el espacio físico y el espacio virtual. En su intento por crear experiencias reales a partir de softwares y hadwares, Borboa logra suprimir el marco delimitador de la imagen, lo que implica trasgredir los confines, como se ha mencionado, entre el espacio físico que rodea al espectador y el espacio de la obra.
www.alfredoborboa.com
Alfredo.borboa@gmail.com
"Me concentro en la producción de piezas capaces de generar experiencias y pensamientos. A través de las nuevas tecnologías, busco descifrar las relaciones humanas, la forma en que concebimos nuestro entorno y el lenguaje que desarrollamos para describirlo."
Estudió la licenciatura en Comunicación Visual en Centro de Diseño, Cine y Televisión. A lo largo de su formación, ha participado en diversos talleres como Mods, Bents & Hacks, con Mario de Vega; Taller de interacciones, con Rüdiger Schlömer; Taller de arte en medios, con Kentaro Taki y Taller de circuit bending con Juan José Rivas.
Entre los reconocimientos que ha recibido por su obra, destacan la Mención Honorífica en el festival Transitio Mx_03 (2009) dentro de la categoría de "Ingenios Latentes". De igual manera, cabe mencionar su participación en el concurso de diseño de cartel con el que quedó como finalista para el Festival Internacional de Cine Contemporáneo y derechos humanos (2008).
El trabajo de Alfredo Borboa se caracteriza por experimentar las cualidades de los medios electrónicos, análogos y digitales con la intención de generar experiencias muntisensoriales. Con el arte sonoro, la programación digital, el arte electrónico y el net art, el artista se concentra en manifestar la formas en cómo nos representamos nuestro entorno, lo concebimos y relacionamos con él. Sus piezas plantean un ejercicio de conocimiento que transita de lo inteligible a lo sensible.
Es loable mencionar las nociones que Borboa pone en crisis con la mayoría de sus piezas. Por una parte, cuestiona explícitamente la idea de autoría y, con ello, la figura del artista y del espectador. Su papel como creador primigenio queda posicionado en una jerarquía horizontal en donde el contexto y el público ejercen su condición intersubjetiva en el sentido de la interacción, reconfigurando así, la composición de la obra. Desde esta perspectiva, sus proyectos no se pueden entender como obras de facto sino hasta la intervención del espectador. Por otra parte, manifiesta la paradoja entre lo real y lo virtual a través de la creación de imágenes virtuales que suprimen la frontera entre el espacio físico y el espacio virtual. En su intento por crear experiencias reales a partir de softwares y hadwares, Borboa logra suprimir el marco delimitador de la imagen, lo que implica trasgredir los confines, como se ha mencionado, entre el espacio físico que rodea al espectador y el espacio de la obra.
///
JUAN CALOCA, Ciudad de México, 1985
www.thinkthesenses.blogspot.com
caloca.caloca@gmail.com
"Algún día José Luis Sánchez Rull me dijo: 'La técnica es tan sólo lo que necesitas en el momento en que lo necesitas.' De igual manera, la temática que abordo en cada proyecto es distinta puesto que el principal catalizador de mi proceso creativo es la realidad y ésta no se centra en un sólo tema sino que me permite abordar lo que sea necesario para ese momento específico."
Actualmente cursa la licenciatura en Artes Plásticas y Visuales en la Escuela Nacional de pintura, escultura y grabado, La Esmeralda. Desde el2007 ha participado en diferentes talleres con Diego Teo, Iñaki Bonillas, Fabián Ugalde, Pablo Helguera y Taniel Morales. Fue becario en 2009 a través de la Comisión para las Celebraciones del Bicentenario de la Independencia y del Centenario de la Revolución en la Ciudad de México y la Central del Pueblo. Participó en el proyecto Arte en Vía, realizado en la ciudad de México en 2008. Asimismo, fue ganador de Reciclarte, convocatoria lanzada por el Instituto Municipal de Arte y Cultura de Puebla.
Actualmente, Juan Caloca desarrolla varios proyectos, entre ellos y en colaboración con Jazael Olguín Zapata, Vísceras de Nación, el cual consiste en una serie de acciones que proponen cuestionar la noción de la identidad mexicana y los símbolos que la representan. El proyecto emerge como efecto de la inconformidad respecto a los festejos grandilocuentes enmarcados en el bicentenario de la Independencia de México.
http://vimeo.com/12415381
http://vimeo.com/12404543
http://vimeo.com/12515361
La obra de Juan Caloca aborda temáticas distintas que emergen a partir de un momento específico que se desdobla, simultáneo a los procesos de la realidad. Por esta razón, el enfoque conceptual de cada una de sus piezas aparece como distinto cada vez y en respuesta a la inestabilidad de las vicisitudes contemporáneas. Es a través de la reflexión y los procesos forjados en el pensamiento que la obra de Caloca surge en algunas ocasiones desde el texto y otras tantas, a través del objeto per se.
Desde esta perspectiva, su trabajo es un intento por reflexionar en torno al uso del lenguaje y los modos en que opera cuando se le pone en juego a través de sus relaciones múltiples: desde el texto, la imagen y el objeto. La articulación y anclaje de estas nociones consiguen, en su obra, producir narrativas, sensaciones y cuestionamientos respecto a ciertas realidades emplazadas.
www.thinkthesenses.blogspot.com
caloca.caloca@gmail.com
"Algún día José Luis Sánchez Rull me dijo: 'La técnica es tan sólo lo que necesitas en el momento en que lo necesitas.' De igual manera, la temática que abordo en cada proyecto es distinta puesto que el principal catalizador de mi proceso creativo es la realidad y ésta no se centra en un sólo tema sino que me permite abordar lo que sea necesario para ese momento específico."
Actualmente cursa la licenciatura en Artes Plásticas y Visuales en la Escuela Nacional de pintura, escultura y grabado, La Esmeralda. Desde el
Actualmente, Juan Caloca desarrolla varios proyectos, entre ellos y en colaboración con Jazael Olguín Zapata, Vísceras de Nación, el cual consiste en una serie de acciones que proponen cuestionar la noción de la identidad mexicana y los símbolos que la representan. El proyecto emerge como efecto de la inconformidad respecto a los festejos grandilocuentes enmarcados en el bicentenario de la Independencia de México.
http://vimeo.com/12415381
http://vimeo.com/12404543
http://vimeo.com/12515361
La obra de Juan Caloca aborda temáticas distintas que emergen a partir de un momento específico que se desdobla, simultáneo a los procesos de la realidad. Por esta razón, el enfoque conceptual de cada una de sus piezas aparece como distinto cada vez y en respuesta a la inestabilidad de las vicisitudes contemporáneas. Es a través de la reflexión y los procesos forjados en el pensamiento que la obra de Caloca surge en algunas ocasiones desde el texto y otras tantas, a través del objeto per se.
Desde esta perspectiva, su trabajo es un intento por reflexionar en torno al uso del lenguaje y los modos en que opera cuando se le pone en juego a través de sus relaciones múltiples: desde el texto, la imagen y el objeto. La articulación y anclaje de estas nociones consiguen, en su obra, producir narrativas, sensaciones y cuestionamientos respecto a ciertas realidades emplazadas.
///
MARÍA EUGENIA CALVA, Ciudad de México, 1986
www.marucalva.com
marucalva@gmail.com
"Me pregunto por qué la gente guarda y atesora. Me cuestiono si tiene sentido guardar o si valdría la pena que fuéramos más desapegados a lo material."
Licenciada en Comunicación Visual en el Centro de Diseño, Cine y Televisión. En 2008 cursó Anatomía de la Creatividad, Disección de un Taller, impartido por Andrés Reymondes y Erik Ravelo en el Museo de la Ciudad de México. En 2006 participó en Ni Crudo Ni Cocido, un taller sobre diseño de cartel en el Centro Cultural España. Asimismo, en 2005 estuvo en el taller Chermayeff & Geismar en el Centro de Diseño Cine y Televisión.
Actualmente forma parte de maruyguram, un dueto de proyectos mayoritariamente gráficos y editoriales que exploran los límites y posibilidades del libro. Uno de los proyectos principales de maruyguram, en colaboración con Román Tovar, es –arte, un esfuerzo que mediante talleres y visitas, busca impulsar y difundir la cultura en el sistema actual de educación primaria. –arte pretende fomentar una sensibilidad artística en los niños de edad escolar y así, promover en las nuevas generaciones, un interés por las disciplinas artísticas y la cultura.
El trabajo de María Eugenia Calva reside en la exploración por el desapego, el nomadismo, la memoria, los objetos y su valor como depósito de recuerdos; los viajes, la vejez y los mapas. Un temor muy grande por el olvido ha despertado en la artista una obsesión por la documentación, los archivos, las colecciones y los mapas mentales. El ímpetu de resguardar la memoria la ha llevado a generar constantemente listas de cosas, de pendientes, de gustos y de disgustos; a trabajar con colecciones de objetos ante la amenaza que el olvido representa.
www.marucalva.com
marucalva@gmail.com
"Me pregunto por qué la gente guarda y atesora. Me cuestiono si tiene sentido guardar o si valdría la pena que fuéramos más desapegados a lo material."
Licenciada en Comunicación Visual en el Centro de Diseño, Cine y Televisión. En 2008 cursó Anatomía de la Creatividad, Disección de un Taller, impartido por Andrés Reymondes y Erik Ravelo en el Museo de la Ciudad de México. En 2006 participó en Ni Crudo Ni Cocido, un taller sobre diseño de cartel en el Centro Cultural España. Asimismo, en 2005 estuvo en el taller Chermayeff & Geismar en el Centro de Diseño Cine y Televisión.
Actualmente forma parte de maruyguram, un dueto de proyectos mayoritariamente gráficos y editoriales que exploran los límites y posibilidades del libro. Uno de los proyectos principales de maruyguram, en colaboración con Román Tovar, es –arte, un esfuerzo que mediante talleres y visitas, busca impulsar y difundir la cultura en el sistema actual de educación primaria. –arte pretende fomentar una sensibilidad artística en los niños de edad escolar y así, promover en las nuevas generaciones, un interés por las disciplinas artísticas y la cultura.
El trabajo de María Eugenia Calva reside en la exploración por el desapego, el nomadismo, la memoria, los objetos y su valor como depósito de recuerdos; los viajes, la vejez y los mapas. Un temor muy grande por el olvido ha despertado en la artista una obsesión por la documentación, los archivos, las colecciones y los mapas mentales. El ímpetu de resguardar la memoria la ha llevado a generar constantemente listas de cosas, de pendientes, de gustos y de disgustos; a trabajar con colecciones de objetos ante la amenaza que el olvido representa.
///
ALEJANDRA CONTRERAS ESTOPIER, Ciudad de México, 1980
alecontreras@hotmail.com
"La alegoría me ha interesado como estrategia que pretende recuperar lo que tiende a extinguirse. Estableciendo un símil entre la alegoría y la ciencia ficción, mi trabajo ha desarrollado un tono de nostalgia y una insistencia en la descripción exhaustiva del contexto que presenta."
Licenciada en Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda. Estudió también Matemáticas en la Facultad de Ciencias de la Universidad Nacional Autónoma de México, y Dibujo y Pintura en Année Préparatoire en la Académie Charpentier de Paris (Francia). Obtuvo la beca Jóvenes Creadores del FONCA en 2005 en la disciplina de pintura. En 2006 fue seleccionada en la XIII Bienal de Pintura Rufino Tamayo y en la V Bienal Nacional de Pintura y Grabado, en el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce de Morelia (Michoacán). Su trabajo fue seleccionado para la XI Bienal Nacional Diego Rivera de Dibujo y Estampa en el Museo Casa Diego Rivera (Guanajuato) en 2004.
Alejandra Contreras es profesora en la facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos e imparte el taller de Dibujo, Pintura, Boceto y Cuadro, y el taller Simbolismos y Narrativas, Iconografías Visuales.
A partir de una descripción de la naturaleza humana desde su realidad más confusa y contradictoria, la obra de Alejandra Contreras explora conceptos como la alegoría y la ficción para rescatar aquello que amenaza con desaparecer. El collage y la mezcla de recursos y disciplinas, le han permitido utilizar pedazos de mundo que dan fe de la existencia. La producción de imágenes es entendida, desde su obra, como un reclamo de propiedad, un espacio donde la inconformidad puede digerir aquello que nos confunde tanto del mundo o aquello que no se deja ver.
La paranoia, las premoniciones apocalípticas, el humor negro y la seductora mentira de la publicidad, han sido el tono adecuado para hacer espacio de la manera más grosera posible. Sus piezas engendran confusión y contradicción para producir un tipo de conocimiento particular que, estimulado por las estructuras sociales, los sistemas de poder o los intercambios económicos, se han ocupado de revelar coloridas o fragmentadas alucinaciones.
alecontreras@hotmail.com
"La alegoría me ha interesado como estrategia que pretende recuperar lo que tiende a extinguirse. Estableciendo un símil entre la alegoría y la ciencia ficción, mi trabajo ha desarrollado un tono de nostalgia y una insistencia en la descripción exhaustiva del contexto que presenta."
Licenciada en Artes Plásticas por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda. Estudió también Matemáticas en la Facultad de Ciencias de la Universidad Nacional Autónoma de México, y Dibujo y Pintura en Année Préparatoire en la Académie Charpentier de Paris (Francia). Obtuvo la beca Jóvenes Creadores del FONCA en 2005 en la disciplina de pintura. En 2006 fue seleccionada en la XIII Bienal de Pintura Rufino Tamayo y en la V Bienal Nacional de Pintura y Grabado, en el Museo de Arte Contemporáneo Alfredo Zalce de Morelia (Michoacán). Su trabajo fue seleccionado para la XI Bienal Nacional Diego Rivera de Dibujo y Estampa en el Museo Casa Diego Rivera (Guanajuato) en 2004.
Alejandra Contreras es profesora en la facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos e imparte el taller de Dibujo, Pintura, Boceto y Cuadro, y el taller Simbolismos y Narrativas, Iconografías Visuales.
A partir de una descripción de la naturaleza humana desde su realidad más confusa y contradictoria, la obra de Alejandra Contreras explora conceptos como la alegoría y la ficción para rescatar aquello que amenaza con desaparecer. El collage y la mezcla de recursos y disciplinas, le han permitido utilizar pedazos de mundo que dan fe de la existencia. La producción de imágenes es entendida, desde su obra, como un reclamo de propiedad, un espacio donde la inconformidad puede digerir aquello que nos confunde tanto del mundo o aquello que no se deja ver.
La paranoia, las premoniciones apocalípticas, el humor negro y la seductora mentira de la publicidad, han sido el tono adecuado para hacer espacio de la manera más grosera posible. Sus piezas engendran confusión y contradicción para producir un tipo de conocimiento particular que, estimulado por las estructuras sociales, los sistemas de poder o los intercambios económicos, se han ocupado de revelar coloridas o fragmentadas alucinaciones.
///
RICARDO CUEVAS MARTÍNEZ, Ciudad de México, 1978
ricardocuevas09.blogspot.com
r_cuevas77@hotmail.com
"Robinson Crusoe fue capaz de escribir un diario para registrar sus días en la isla, gracias a un frasco de tinta que encontró en un barco encallado. La diluyó para hacerla durar pero, a medida que decrecía, sus letras se volvieron únicamente agua. No es posible asegurar si continuó con la escritura, aunque invisible, o desistió del cometido. Yo prefiero pensar que el impulso persistió, pese a que el registro fuera inaccesible…. Estas obras comparten un ánimo similar."
Con más de treinta exposiciones nacionales e internacionales en países como Canadá, Francia, Alemania, China y República Checa, Ricardo Cuevas Martínez forma parte de la escena contemporánea actual caracterizándose por su quehacer multidisciplinario. El artista estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Su trabajo ha sido acreedor de la beca de Jóvenes Creadores, otorgada por el FONCA, en sus emisiones 2001-2002 y 2005-2006.
En 2003 fue premiado por el Programa de Residencias Artísticas del Banff Centre de Canadá en donde organizó su primera exposición individual. Asimismo, le fue otorgada en 2007 una residencia en la Ciudad de Nueva York a través del International Studio and Curatorial Program y el FONCA.
Trabajando desde una plataforma conceptual con base en textos, libros y fotografía, con sus variados discursos sobre documentación, archivo o memoria, la obra de Ricardo Cuevas constantemente prueba el potencial de los malentendidos, traducción y fragmentación, haciendo uso del texto como un universo conceptual donde la dualidad de lo visible y lo invisible es la piedra de toque del proceso creativo.
Fotografías que no pueden ser vistas; textos donde la única forma de asirse a un sentido es por el sonido de su transcripción; dibujos realizados por invidentes al leer un libro en braille; letras que, eliminadas sistemáticamente, imitan el contenido de su discurso; mensajes que por su disposición frente al lector, lo obligan a ejecutar el mismo gesto que el texto describe.
Algunos trabajos parecen imitar o parodiar algún tipo de torpe autoconciencia. Una forma de inteligencia artificial primitiva que permite al mecanismo percibir al espectador y anticipar sus reacciones, todo esto, ocurriendo en el universo del lenguaje.
ricardocuevas09.blogspot.com
r_cuevas77@hotmail.com
"Robinson Crusoe fue capaz de escribir un diario para registrar sus días en la isla, gracias a un frasco de tinta que encontró en un barco encallado. La diluyó para hacerla durar pero, a medida que decrecía, sus letras se volvieron únicamente agua. No es posible asegurar si continuó con la escritura, aunque invisible, o desistió del cometido. Yo prefiero pensar que el impulso persistió, pese a que el registro fuera inaccesible…. Estas obras comparten un ánimo similar."
Con más de treinta exposiciones nacionales e internacionales en países como Canadá, Francia, Alemania, China y República Checa, Ricardo Cuevas Martínez forma parte de la escena contemporánea actual caracterizándose por su quehacer multidisciplinario. El artista estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Su trabajo ha sido acreedor de la beca de Jóvenes Creadores, otorgada por el FONCA, en sus emisiones 2001-2002 y 2005-2006.
En 2003 fue premiado por el Programa de Residencias Artísticas del Banff Centre de Canadá en donde organizó su primera exposición individual. Asimismo, le fue otorgada en 2007 una residencia en la Ciudad de Nueva York a través del International Studio and Curatorial Program y el FONCA.
Trabajando desde una plataforma conceptual con base en textos, libros y fotografía, con sus variados discursos sobre documentación, archivo o memoria, la obra de Ricardo Cuevas constantemente prueba el potencial de los malentendidos, traducción y fragmentación, haciendo uso del texto como un universo conceptual donde la dualidad de lo visible y lo invisible es la piedra de toque del proceso creativo.
Fotografías que no pueden ser vistas; textos donde la única forma de asirse a un sentido es por el sonido de su transcripción; dibujos realizados por invidentes al leer un libro en braille; letras que, eliminadas sistemáticamente, imitan el contenido de su discurso; mensajes que por su disposición frente al lector, lo obligan a ejecutar el mismo gesto que el texto describe.
Algunos trabajos parecen imitar o parodiar algún tipo de torpe autoconciencia. Una forma de inteligencia artificial primitiva que permite al mecanismo percibir al espectador y anticipar sus reacciones, todo esto, ocurriendo en el universo del lenguaje.
///
ARIADNA FRANCO MARTINEZ, Ciudad de México, 1984
ariadnafranco.blogspot.com
ariadance@hotmail.com
"Un objetivo de mi obra es observar quién soy a través de mi cuerpo."
La formación académica de Ariadna Franco, cuyo nombre artístico es Sofía, comprende varias disciplinas que convergen en el quehacer artístico. Es estudiante de Historia en la Universidad Nacional Autónoma de México y realiza estudios de danza-terapia en la Casa de Movimiento, y de educador en movimiento somático en el Body Mind Movement México. Asimismo, desde 1999 se ha dedicado a estudiar y practicar profundamente la danza en sus diferentes acepciones – ballet, técnica mixta, coreografía, danza contemporánea, danza butoh, etc.- en instituciones, estudios y centros culturales como la Central del Pueblo, Ballet Teatro del Espacio, Taller Coreográfico de la UNAM, Centro de Investigación Coreográfica y el Schloss Broellin en Alemania.
Su obra, concentrada en el cuerpo como motor ineludible de expresión a través de prácticas como la danza, el performance o el body art, ha sido merecedora de diversos premios y becas a nivel nacional. Ariadna obtuvo el premio Arte Shock 2010 (UNAM) por su proyecto “90” ; ha recibido apoyo para producción por parte del PACMYC, el IMEJU y la Secretaría de Cultura dentro del programa “Red para el Desarrollo Cultural Comunitario de la Ciudad de México 2009” . Fue becaria en el taller de Nuevos Medios de la Central del Pueblo y recibió el segundo lugar en el certamen de Nuevos Creadores de Nueva Danza y Nueva Música con la pieza “Volando sueños”.
Su trabajo incide en la cotidianeidad de la vida urbana de la Ciudad de México, por lo tanto, sus acciones performáticas se han llevado a cabo en espacios públicos como el Metro (STCM), mercados populares y calles y avenidas. Actualmente se encuentra desarrollando diversos proyectos en los que enfatiza la exploración del cuerpo y, a partir de él, la noción del individuo. Entre ellos se encuentra “365 cuerpos” que busca subrayar el trinomio esencial del cuerpo humano –cuerpo, emociones y mente–, sujetos a la transformación inevitable producida por factores internos y externos. Al mismo tiempo, realiza intervenciones en espacios públicos con el colectivo Mutok conjugando la danza butoh con acciones públicas. Actualmente trabaja en una pieza performática que versa sobre los rituales.
El trabajo artístico de Sofía incide en las prácticas e intervenciones en espacios públicos con acciones en donde prepondera el uso expresivo del lenguaje corporal. En su obra, el espacio se convierte en un propiciador de experiencias que marcan la posibilidad de transformar la vida cotidiana en arte y de tener encuentros directos con el espectador. Trabajar con la realidad es uno de los pretextos de su obra para invadir el mapa urbano de la ciudad y confrontarse con las experiencias que éste propicia. Lo efímero, el movimiento, la contingencia y lo lúdico representan las formas de concepción del propio cosmos de la cotidianidad, al mismo tiempo que hacen al sujeto sucumbir ante su entorno.
Otro de los ejes esenciales de la obra de Sofía es el cuerpo como receptor y soporte de expresión. En cada pieza, la artista apunta hacia una transfiguración de su propio ser, de su vida y, sobre todo, de su historia. Se trata de una especie de descubrimiento que se traduce en un ejercicio ontológico en el que convierte a su cuerpo en la obra de arte por excelencia. Sofía busca subrayar la importancia del cuerpo, como el propio detonador de nuestra esencia, en una sociedad que lo ha desvalorizado trasgrediendo su culto. Para ella, somos nuestro cuerpo.
ariadnafranco.blogspot.com
ariadance@hotmail.com
"Un objetivo de mi obra es observar quién soy a través de mi cuerpo."
La formación académica de Ariadna Franco, cuyo nombre artístico es Sofía, comprende varias disciplinas que convergen en el quehacer artístico. Es estudiante de Historia en la Universidad Nacional Autónoma de México y realiza estudios de danza-terapia en la Casa de Movimiento, y de educador en movimiento somático en el Body Mind Movement México. Asimismo, desde 1999 se ha dedicado a estudiar y practicar profundamente la danza en sus diferentes acepciones – ballet, técnica mixta, coreografía, danza contemporánea, danza butoh, etc.- en instituciones, estudios y centros culturales como la Central del Pueblo, Ballet Teatro del Espacio, Taller Coreográfico de la UNAM, Centro de Investigación Coreográfica y el Schloss Broellin en Alemania.
Su obra, concentrada en el cuerpo como motor ineludible de expresión a través de prácticas como la danza, el performance o el body art, ha sido merecedora de diversos premios y becas a nivel nacional. Ariadna obtuvo el premio Arte Shock 2010 (UNAM) por su proyecto “
Su trabajo incide en la cotidianeidad de la vida urbana de la Ciudad de México, por lo tanto, sus acciones performáticas se han llevado a cabo en espacios públicos como el Metro (STCM), mercados populares y calles y avenidas. Actualmente se encuentra desarrollando diversos proyectos en los que enfatiza la exploración del cuerpo y, a partir de él, la noción del individuo. Entre ellos se encuentra “365 cuerpos” que busca subrayar el trinomio esencial del cuerpo humano –cuerpo, emociones y mente–, sujetos a la transformación inevitable producida por factores internos y externos. Al mismo tiempo, realiza intervenciones en espacios públicos con el colectivo Mutok conjugando la danza butoh con acciones públicas. Actualmente trabaja en una pieza performática que versa sobre los rituales.
El trabajo artístico de Sofía incide en las prácticas e intervenciones en espacios públicos con acciones en donde prepondera el uso expresivo del lenguaje corporal. En su obra, el espacio se convierte en un propiciador de experiencias que marcan la posibilidad de transformar la vida cotidiana en arte y de tener encuentros directos con el espectador. Trabajar con la realidad es uno de los pretextos de su obra para invadir el mapa urbano de la ciudad y confrontarse con las experiencias que éste propicia. Lo efímero, el movimiento, la contingencia y lo lúdico representan las formas de concepción del propio cosmos de la cotidianidad, al mismo tiempo que hacen al sujeto sucumbir ante su entorno.
Otro de los ejes esenciales de la obra de Sofía es el cuerpo como receptor y soporte de expresión. En cada pieza, la artista apunta hacia una transfiguración de su propio ser, de su vida y, sobre todo, de su historia. Se trata de una especie de descubrimiento que se traduce en un ejercicio ontológico en el que convierte a su cuerpo en la obra de arte por excelencia. Sofía busca subrayar la importancia del cuerpo, como el propio detonador de nuestra esencia, en una sociedad que lo ha desvalorizado trasgrediendo su culto. Para ella, somos nuestro cuerpo.
///
ANNI GARZA LAU, México, 1983
annigarzalau.com
annigarza@yahoo.com
“Para mí la parte más importante del uso de tecnologías es su capacidad para producir experiencias humanas. El juego me parece un puente entre ambas".
Es licenciada en Artes Visuales por la Universidad Autónoma del Estado de Morelos. Realizó una especialización en Animación y Comunicación Audiovisual en la Universidad Politécnica de Valencia, España, y participó en el Seminario "Dispositivos de Interacción" en el Laboratorio Arte Alameda. En 2008 fue beneficiada con la beca del Fondo de Estímulos a la Creación Artística de Morelos en la categoría de Multimedia y recientemente obtuvo la beca Jóvenes Creadores FONCA, también en la misma disciplina.
Su obra fue seleccionada para la recopilación (READY) MEDIA: Hacia una arqueología de los medios y la invención en México del Laboratorio Arte Alameda y para el Centro de Documentación Príamo Lozada en 2010. Además, su trabajo fue incluido en “Cuadro: Salón y Guía de Artistas Emergentes” en la edición 2009, una guía anual que presenta a los cincuenta artistas más destacados, de acuerdo a una metodología de selección avalada por críticos, curadores, coleccionistas y galeristas.
Anni Garza Lau actualmente trabaja en el proyecto Permanencia Voluntaria, una instalación interactiva con pantalla de niebla y en Síntesis afectiva, una instalación con uso de micrófono que determina el humor de las personas a partir de su forma de hablar y los comunica con un personaje que hace anotaciones al respecto.
Uno de los temas centrales en el trabajo de Anni Garza es la narración interactiva generada por la interacción afectiva entre el público y los personajes ficticios que desarrolla. La razón principal se encuentra en el interés de proporcionar al espectador un espacio inmersivo en el que sea motivado a explorar sus capacidades de expresión y comunicación de emociones para relacionarse con sus semejantes, o bien, con entes simulados.
Los experimentos que ha llevado a cabo tienen la intención de elaborar una reflexión en torno a cómo nos vinculamos los seres humanos con nuestros afectos y los de los otros, así como las posibilidades de acercamiento a las máquinas a partir de la simulación de los mismos. El resultado: Una relación que media los afectos siempre es una cuestión susceptible de ser narrada.
El soporte en su trabajo ha sido volátil y se ha configurado a partir de experiencias particulares que en cada caso pretende producir en el espectador, pero apoyada siempre por la idea de orientarlo hacia el desarrollo de software de cierta forma inteligente y que tenga capacidades mayores en términos de relación humana respecto a cualquier dispositivo electrónico doméstico.
///
No hay comentarios:
Publicar un comentario